Lots

Aguafuerte.  53 x 76 cm.
Hind 109, I/III.
Sin marco.

 Grabado. 35 x 17 cm.

 Grabado. 35 x 17 cm.

Grabado. 35 x 17 cm.

 Grabado. 35 x 17 cm.

 Grabado. 35 x 17 cm.

 Grabado. 35 x 17 cm.

Grabado. 35 x 17 cm.

Grabado. 35 x 17 cm.
 
Colección de grabados de la serie de emperadores y emperatrices grabada de Sadeler II según pinturas de Tiziano (y Bernardino Campi) para el Gabinetto dei Cesari del Palazzo Ducale de Mantua. 
Las pinturas fueron vendidas a Carlos I en 1627/28 y luego enviadas a España, donde fueron destruidas durante el incendio del Alcázar en 1734.

 Grabado. 35 x 17 cm.
 

 Grabado. 35 x 17 cm.

Óleo en grisalla sobre tabla. 110 x 72 cm.
Con etiqueta en el reverso de la Junta Delegada de Incautación con número de inventario: "20248".
Inscrito a tiza en el reveros de la tabla: "F. 2850".
 
La técnica de la grisalla fue un método pictórico ya utilizado en la Antigüedad grecorromana alcanzando su momento más prolífico en el Edad Media hasta el siglo XVII. Artistas y artesanos desarrollaron esta técnica como resultado de las búsquedas en su evolución pictórica y ante la necesidad creativa de dar un aspecto más volumétrico a las formas.
 
Ambas tablas, lotes 652 y 653, probablemente formaran parte de un retablo. En una de las tablas, el pintor sitúa la figura del Arcángel San Gabriel de rodillas con el bastón de mensajero acompañado de Dios Padre y en la otra, la figura de la Virgen en un interior doméstico con su lecho virginal al fondo. Con una pincelada precisa de tonalidades monocromas en gris, blanco y negro el pintor va creando las distintas figuras y formas. Sin duda, el aspecto escultórico de ambas obras, quedan matizadas por un cuidadoso juego de luces y sombras a través de las distintas gradaciones en el empleo del color; la luz queda definida por el blanco y la sombra por el negro.
 

Óleo en grisalla sobre tabla. 110 x 72 cm.
Con etiqueta en el reverso de la Junta Delegada de Incautación con número de inventario: "20246".
Inscrito a tiza en el reverso de la tabla: "F. 2856".
 
La técnica de la grisalla fue un método pictórico ya utilizado en la Antigüedad grecorromana alcanzando su momento más prolífico en el Edad Media hasta el siglo XVII. Artistas y artesanos desarrollaron esta técnica como resultado de las búsquedas en su evolución pictórica y ante la necesidad creativa de dar un aspecto más volumétrico a las formas.
 
Ambas tablas, lotes 652 y 653 probablemente formaran parte de un retablo. En una de las tablas, el pintor sitúa la figura del Arcángel San Gabriel de rodillas con el bastón de mensajero acompañado de Dios Padre y en la otra, la figura de la Virgen en un interior doméstico con su lecho virginal al fondo. Con una pincelada precisa de tonalidades monocromas en gris, blanco y negro el pintor va creando las distintas figuras y formas. Sin duda, el aspecto escultórico de ambas obras, quedan matizadas por un cuidadoso juego de luces y sombras a través de las distintas gradaciones en el empleo del color; la luz queda definida por el blanco y la sombra por el negro.
 

Óleo sobre tabla. 40 x 30 cm.
Con etiqueta de colección en el reverso:"Antonio Plasencia, nº 63".

Óleo sobre cobre. 16 x 14 cm. 

 Óleo sobre pizarra. 14 x 11,5 cm.

Óleo sobre lienzo. 73,5 x 101 cm, sin marco.

 Miniatura. 5 x 4,5 cm.

Óleo sobre lienzo. 98 x 62 cm.
 
Sobre un fondo de paisaje con una vista de Córdoba el pintor dispone las figuras de Acisclo y Victoria, santos mártires de la ciudad de Córdoba y patrones de la misma ciudad, acompañados de San Rafael.
 
Acisclo y Victoria, fueron dos jóvenes hermanos cordobeses que profesaban el cristianismo a principios del siglo III, cuando Córdoba formaba parte del Imperio Romano. Por decreto del gobernador Dion fueron perseguidos y sometidos a diversas torturas para obligarlos a abjurar de su fe. Acisclo murió degollado y Victoria fue saetada con diversas flechas. Según la tradición, una ciudadana romana llamada Minciana recogió ambos cadáveres y los trasladó a escondidas hasta la orilla del río, donde les dio sepultura. Años más tarde, se construyó la Basílica de los Santos Mártires a orillas del río Guadalquivir.
 
Se ha pensado en una posible atribución a Juan de Espinal.

Óleo sobre lienzo. 95 ,5 x 129,5 cm.

Óleo sobre tabla. 52 x 85 cm.
Con etiqueta en el reverso.
Firmado y fechado.
 
La tabla, firmada y fechada en 1622, que presentamos procedente de una importante colección privada española, es una interesante aportación a la producción artística del pintor Adriaen Van Stalbemt. Son pocas las obras del pintor, firmadas y fechadas con precisión, conservadas lo que dificulta el estudio de la evolución de su estilo a lo largo de su carrera.
 
Stalbemt fue un pintor flamenco, especializado en pintura de gabinete, con gran diversidad de temas de paisaje, pinturas de historia tanto bíblica como mitológica u alegórica y representaciones de galerías pictóricas. De familia protestante, emigró a Middelburg. Entre 1609, a su regreso a Amberes, fue nombrado maestro del Gremio de San Lucas, cargo que ocupó hasta 1610. Participó activamente en la vida intelectual de de esta ciudad a través de su pertenencia a la cámara retórica conocida como De Violeren. Viaja a Inglaterra 1633- 1634, donde realizó obras como La vista de Greenwich con Carlos I y Enriqueta María (Royal Collection, Hampton Court, Londres).
 
Se aprecian en sus obras ciertas influencias del pintor Adam Elsheimer, tamizadas por David Tenier I, en sus obras de historia, como se puede apreciar en Pablo y Bernabé en Lystra (Städelsches Kunstinstitut, Fráncfort). En el paisaje, como en la obra Ilustraciones de fábulas (Koninjklijk Museum, Amberes) se demuestra la relación de Stalbemt con Jan Brueghel el Joven. Sus obras más tardías nos acercan al pintor Hendrick Van Balen.
 
Con un punto de vista bajo sobre un paisaje meticulosamente resuelto el pintor sitúa el Banquete de los Dioses. La forma con la que el pintor concibe el paisaje nos remite a fórmulas ya empleadas por Brueghel con el que colaboró activamente. Destacamos el cuidadoso detalle en cada uno de las frutas, verduras, cristales casi transparentes, de la venera que llenan el espacio y lleva al espectador de un elemento a otro aumentando su admiración por tan delicado tratamiento. Destacar por último, el adecuado empleo de la luz, del tratamiento de los pliegues de los personajes así como la calidad de los rostros plenamente individualizados.
 
Otra composición “Banquete de los dioses” fechada en 1622 se conserva en el Colecciones estatales de arte de Dresde.

Óleo sobre cobre. 25 x 18 cm. 
Basado en un grabado de Johan Sadeler (1550-1600), siguiendo el modelo de Marten de Vos (1532 - 1603).

Óleo sobre cobre. 26,5 x 21 cm.

 Óleo sobre cobre. 14 x 11,5 cm.

Óleo sobre cobre. 74 x 58 cm.
Con antigua etiqueta en el reverso inscrita a tinta: “Die Vilage un den toten Christus= Von A van Dyck; Munchen Vigl. Pinakotbeck. Publicado en Ilustrerte Zeitund de 20 de Margo 1.913. Cofric (¿) de Beaveinung Chisti-1.634”.
 
Cobre basado en el original de Van Dyck, pintado h. 1634, conservado en la Alta Pinacoteca de Munich.

Óleo sobre cobre. 98,8 x 130,7 cm.
Firmado: "H.V. Balen"
Restos quizás de un sello en lacre en el reverso.
 
Este magnífico cobre, firmado por Van Balen, representa el momento en que la Diosa Minerva visita a las musas en el monte de Helicón. Sobre un riquísimo paisaje de delicada factura y cuidadosos detalles vegetales y florales, el pintor dispone el grupo de las nueve musas que mueven sus brazos acorde al ritmo de los instrumentos musicales y las partituras; cantan las maravillas de los Dioses y son una personificación de las virtudes invocadas por poetas y pintores. Cerrando ésta equilibrada composición, la figura de Minerva a un lado y, al otro en lo alto Pegaso que rompe con una coz la roca donde mana un torrente de agua cristalina. Según la mitología griega: “las Piérides se enfrentan con las Musas en un concurso de canto al pie del monte de Helicón, este tan complacido por la belleza de las voces que empezó a crecer de manera desmesurada amenazando con llegar al cielo. Al ver el peligro, Poseidón mandó al caballo alado Pegaso que fuera y golpeara la montaña con uno de sus cascos para ordenarle que volviera a su tamaño natural, a lo que la montaña obedeció dócilmente, pero en lugar donde Pegaso la había golpeado brotó la fuente de Hipocrene”.
 
Otra composición con variantes se conserva en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes, pintada en colaboración de Van Balen, Brueghel y Momper. La colaboración de Van Balen con Jan Brueghel el Viejo y Momper fueron bastante habituales. Se conocen numerosas obras realizadas conjuntamente en las que Brueghel aportaba las guirnaldas de flores y Momper los fondos de paisaje, mientras que Van Balen ejecuta las figuras.
 
De misma temática se conserva de Hendrick Van Balen, un óleo sobre tabla, 77,5 x 108 cm, firmado H. B 1630, en el Instituto Mol con número de inventario 873 (Ver: M. Díaz Padrón, “Dos nuevas alegorías de Hendrick van Balen en el coleccionismo madrileño”, Tendencias del Mercado del Arte, nº 25 (julio-agosto 2009), pp. 48-50).

Óleo sobre lienzo. 126 x 170 cm.

Óleo sobre lienzo. 112,5 x 148 cm.
Firmado: “Juan Bicente & Ribera facite”.
Con número de colección en el ángulo inferior derecho: “H.168”. Obra firmada hasta ahora conservada en una colección particular y citada por Fernando López Sánchez en su entrada a Juan Vicente Ribera en la Real Academia de la Historia como “obra desparecida o sin localizar”.
 
El lienzo que presentamos inmortaliza el momento en el que Santa Inés es condenada a la hoguera y tras milagrosamente ser liberada de sus llamas sufre el martirio de morir decapitada. En el centro de la composición aparece la figura de la Santa sosteniendo sobre sus brazos el cordero que simboliza su condición de Virgen en el momento de su muerte. Una contaste pictórica, dentro de la producción del pintor, es el fuerte juego lumínico de luces y sombras; con el que busca dejar en sombra los primeros planos para potenciar la luminosidad y el efecto colorista de los personajes principales encauzando así, el interés del espectador por la escena principal; el martirio de la Santa. Siguiendo las fórmulas pictóricas dominantes de finales del siglo XVIII, patentes en el arte de Rizi y Claudio Coello, el pintor Juan Vicente Ribera dispone un conjunto de figuras en distintos planos, de manera circular monumental y dinámica. Existe un magnífico juego de escorzos, que contribuyen a dar un mayor dramatismo a la composición. En este sentido, destacamos el fuerte escorzo de la figura a caballo del primer plano derecho de la composición que parece salir hacia el espectador; recurso que ya había empleado en la obra de San Francisco de Paula curando a un endemoniadoconservada en el Museo del  Prado.
 
Esta obra, probablemente, fuera concebida por un encargo devocional de carácter privado. Destacamos el número de inventario inscrito en el lienzo abajo a la derecha “H168” que se puede comparar con el número de inventario “H181” de una Visitación de éste mismo pintor, sin firmar, lo que nos hace pensar que formara parte de una misma colección o de una misma serie.

Óleo sobre lienzo. 51 x 58 cm.
Sin marco.

Óleo sobre lienzo. 35 x 25 cm.
Sin marco.

Óleo sobre lienzo. 44 x 77 cm.
Sin marco.

Óleo sobre lienzo. 30 x 23 cm.
Sin marco.

Óleo sobre lienzo. 24,5 x 32 cm.
Sin marco.

 Óleo sobre lienzo adherido a tabla. 24 x 18,5 cm.

Óleo sobre lienzo. 33 x 28,5 cm.

Dos óleos sobre lienzo. 92 x 123 cm, cada uno.
Sin marco.
Se adjunta certificado de Don José Gómez- Frechina; Madrid, 18 de septiembre de 2020”.
Miguel March fue un pintor valenciano conocido por sus obras de carácter religioso, aunque son varios los ejemplos conservados de naturalezas muertas y escenas domésticas.
La pareja de bodegones que presentamos, se pueden relacionar con un “Bodegón con canasta de frutas, gallo y flores” conservado en una colección particular, con “Milano atacando un gallinero” (firmado) conservado hoy en el Museo del Prado y dos bodegones firmados y fechados conservados en la colección del marqués de Montortal.

Óleo sobre lienzo.  55 x 46 cm.
Fechado en 1683.
 

Óleo sobre lienzo. 27 x 21 cm.
Sin marco.

Óleo sobre lienzo. 27 x 24 cm.
Sin marco.

Dos óleos sobre lienzo. 62 x 84,5 cm, cada uno.
Uno inscrito a tinta en el bastidor: "541".

Óleo sobre lienzo. 87,5 x 70 cm.
Inscrito y fechado en 1575.
 
PROCEDENCIA:
Antigua colección de Lt- Col. H. B. Sweet.
Adquirido en Christie´s, Londres, 19 noviembre de 1954, nº 88, catalogado como Coello.
Por descendencia a los actuales propietarios.

Par de grabados iluminados a mano. 21,6 x 26 cm y 20,5 x 27,5 cm.
“Schauplatz der fünf theile der Welt”. Viena, tomo 2 nº 557 y 558.
 
 
 
 
 

 Grabado iluminado a mano. 34,5 x 48 cm.
"Civitates Orbis Terrarum", 1572- 1617.
 

Grabado iluminado a mano. 50 x 65 cm.
Con marcas de agua.
Inscrito: "Carte du Comte de Flandre. Dressee sur different morecaux levez sur les lieux fixez par les observations astronomiques par Guillaume de l´Isle de l´Academie Royale des Sciences. A Paris, chez l´Auteur sur le Quai de l´Horloge. Avec Privilege, por vint ans M.D.CCIIII".
Sin marco.

Grabado iluminado a mano. 38 x 49,5 cm.
Inscrito en el margen superior izquierdo a tinta: "15".
“Theatrum Orbis Terrarum”. Amberes, 1570.
 
En el ángulo inferior derecho en una cartela arquitectónica el título "Regni Hispaniae post omnium editiones locuplessi ma descriptio" y en el inferior izquierdo se sitúa la escala gráfica en leguas, coronada por un compás. Relieve representando los perfiles de montañas abatidos e iluminados. Planimetría con ciudades importantes representadas por agrupaciones de edificios. La hidrografía representa la red principal, con denominación de los ríos más importantes. La costa aparece realzada con rayado horizontal e iluminada, y el mar mediante punteado decorado con peces fantásticos y naves de la época.
 

Grabado iluminado a mano. 35 x 45,5 cm.
"Theatrum Orbis Terrarum" de Abraham Ortelius. Amberes, entre 1608 y 1612.
El reverso con texto impreso: "El territorio de Sevilla, parte de Andalvsia" e inscrito a tinta en el ángulo superior derecho: "17".

Grabado sobre seda. 61 x 44,5 cm.