Lotes

Óleo sobre lienzo. 74 x 136 cm.
Con etiqueta en el reverso de colección inscrita nº "87".
 
Elena Recco, pintora de origen napolitano, hija de Guiseppe Recco con quien viaja a España en 1695. Se especializó en las pintura de peces de naturaleza muerta.

Óleo sobre hojalata. 31 x 22,5 cm.

 Óleo sobre lienzo adherido a tabla. 43 x 23 cm.

 Óleo sobre lienzo. 35,5 x 48,5 cm.

Óleo sobre lienzo. 39,5 x 56,5 cm.

Óleo sobre tabla. 45 x 73 cm.
En el reverso con etiqueta de la Junta Delegada de Incautación.
 
PROCEDENCIA:
Antigua colección del Infante Sebastián Gabriel.
 
EXPOSICIÓN:
Catalogue abrégé des tableaux exposés dans les salons de l´ancien asile de Pau apparintnt aux héritiers de Feu Mgr l´Infant don Sébastien de Bourbon el Bragance, Septimbre 1876, número 34.
 
Obra recogida en el Testimonio de particulares de la testamentaría de S.A.R. D. Sebastián Gabriel de Borbón y Braganza del Archivo General de Madrid del 1 de Noviembre de 1887, número 107.

 Óleo sobre tabla. 29 x 40 cm.
 

Óleo sobre lienzo. 90 x 72 cm.
 

Óleo sobre lienzo. 25 x 15 cm. Inscrito: “Dña. Aldonza de Mondragón y Azcarrelazabal - 1630”

Óleo sobre lienzo. 99 x 72 cm.

Óleo sobre cobre. 7,8 x 6 cm.
Con marco en latón dorado.
Con etiqueta inscrita a tinta en el reverso.

Óleo sobre lienzo. 79 x 120 cm.

Óleo sobre lienzo. 38 x 64 cm.
Inscrito.

Óleo sobre lienzo. 120 x 94,5 cm.
En el reverso con etiqueta de la Junta Delegada de Incautación con número de inventario "21142".
 
PROCEDENCIA:
Antigua colección del Duque del Infantado.
 
Antonio Arias (1614-1684), pintor madrileño discípulo de Pedro de las Cuevas. Mostró ya desde los 14 años su excepcional precocidad, momento en el que recibió un encargo importante; el retablo de las carmelitas Descalzas de Toledo, hoy perdido. En palabras de Ceán Bermúdez “los elogios que mereció, lejos de envanecerle, fueron un nuevo estímulo que le inspiró mayor aplicación y mayores adelantamientos”. En 1639, interviene junto a Polo en la decoración del salón dorado del Alcázar por encargo del Conde Duque de Olivares, siendo la obra de “Carlos V y Felipe II”, hoy en el Museo del Prado y la única conservada de este conjunto. A partir de 1645, año en el que abrió su estudio en Madrid, recibió numerosos encargos de carácter religioso, tanto obras devocionales como lienzos destinados a series conventuales.
La obra que presentamos, hasta ahora en paradero desconocido, es una interesante aportación a la producción artística de este pintor. Con una severidad monumental y sobre un fondo de paisaje emerge la figura de San Antonio de Padua con el Niño. Ambas figuras, definidas con un dibujo preciso, nos muestran la maestría del pintor. Cabe destacar el inconfundible tratamiento del ropaje del Santo definidos sus pliegues de forma casi escultórica con perfil anguloso y rotundo que dotan a la obra de una infinidad de texturas y claroscuros, motivo que nos remiten a las formas extraídas de algún grabado de Durero. Tanto en el modelado de las figuras, en cómo están iluminadas, así como en la utilización de un colorido claro e intenso nos acerca a los métodos ya utilizados por el pintor Juan Bautista Maino. Antonio Arias se definió como un artista del momento, ligado a la corriente artística de mediados del siglo XVIII, el naturalismo que queda patente en la caracterización del rostro de San Antonio y la delicadeza infantil del niño.
Se puede relacionar con la Virgen con el Niño de Antonio Arias conservada en el Museo del Prado en el tratamiento del paisaje así como en el rostro del Niño y con la Santa María Egipciaca fechada en 1641 conservada en una colección particular (Ver: Angulo, D. y Pérez Sánchez, A.E. : “Pintura madrileña del segundo tercio del S. XVII". C.S.I.C., 1983, lám. 2 y lám. 5.

Óleo sobre lienzo. 179 x 110 cm.
Nuestra obra representa a la Virgen Inmaculada Apocalíptica con el niño Jesús en brazos, el demonio en forma de serpiente a sus pies y flanqueada, en su parte superior, por dos ángeles portadores de flores, especímenes botánicos del Nuevo Mundo. La originalidad en los colores y la manera de resolver las figuras nos acerca a Nueva Granada, que formó parte del Imperio Hispánico. La posición del niño nos recuerda a Gregorio Vázquez de Arce si vemos la obra de Santa Rosa de Lima con el Niño, conservada en el Museo de Arte Colonial.

Grabado iluminado a mano. 37 x 43 cm.
 
Cuatro retratos completos de trajes turcos, cada uno con un texto descriptivo grabado: un Mufti, un estudioso de la ley islámica. Un emir, un comandante, aquí descrito como descendiente de Mahoma, un imán, un líder religioso y un patriarca de la iglesia ortodoxa griega.
En el centro hay una representación de derviches “giratorios” en su templo en Pera, del monumental volumen 7 del Atlas “Historique” de Chatelain. En el margen superior derecho: “Tomo 2, nº45”
 

Óleo sobre cobre. 6 cm (diámetro).
Inscrito: "V. P. P ..... de la Cruz F".

Óleo sobre cobre. 6 cm (diámetro).
Inscrito: "S. Camilo de Lelis F"

Óleo sobre cobre. 6 cm (diámetro).
Inscrito: "S. Geronimo Emiliani".
 

Óleo sobre cobre. 6 cm (diámetro).
Inscrito: "S. José Calaza...".

Óleo sobre cobre. 6 cm (diámetro).
Inscrito: "S. Ygnacio de Loyola F".

Óleo sobre cobre. 6 cm (diámetro).
Incrito: "S. Francisco de Caracciolo F.".

Óleo sobre cobre. 16 x 11,6 cm.
Con inscripción: “Por cada vez que se reze de rodillas una salve: y Ave María delante de ella Divina Señora de la Paz pidiendo por la Exaltación de la Sta Fee Catholica tiene concedidas indulgencias por 6 Señores Cardenales Arzobispos y obispos. año 1754".
 
Fechado en 1754, año muy significativo para los mejicanos ya que se proclama la Virgen de Guadalupe como patrona de México por el Papa Benedicto XIV. Nuestro cobre, por su tamaño, probablemente, fuera concebido como cuadro de devoción privada para un pequeño oratorio, una joya indiscutible de este periodo.  En la obra que presentamos queda patente el interés José de Paéz, pintor prolífico del siglo XVIII, por los temas religiosos y fundamentalmente por las advocaciones marianas. Los grabados, de origen europeo, fueron una fuente inagotable de inspiración para los artistas novohispanos. Nuestra obra, pudiera ser que estuviera basada en algún grabado, pero no hemos podido localizarlo dando originalidad a nuestra obra.  La Virgen con Niño, Divina Señora de la Paz, emerge de un fondo neutro y queda enmarcada con un juego de flores de acanto con cuatro ángeles portadores de una serie de filacterias inscritas en latín en las esquinas. Abajo podemos leer una inscripción que concede indulgencias al que rece una salve y un ave maría de rodillas ante esta imagen. Vemos la mano de artista en toda la composición, pero nos detenemos en ese cuidado modelado de los rostros ovales cargados de una dulzura contenida y concebidos con una belleza ideal que son rasgos característicos del estilo del pintor.

Óleo sobre cobre. 15 x 11 cm.
Firmado: "Juan Correa fa".
 
Se conocen otras dos versiones dentro de la producción novo- hispana de la Virgen del Carmen con San José y Santa Teresa de la mano de Miguel Cabrera conservada en el Museo Soumaya y de Francisco Magón en el Museo Nacional de Arte. Sin embargo, en esta obra de pequeño formato y cuidada calidad el pintor, Juan Correa, incorpora las almas del purgatorio creando una composición que a pesar de la multitud de figuras queda plenamente equilibrada con un cuidado empleo del color que resulta vibrante. Motivo ya introducido por el pintor con anterioridad en otras obras de Las ánimas del purgatorio y San Miguel Arcángel y Ánimas del purgatorio con la Trinidad (Ver: Vargas lugo, Elisa; Victoria, José Guadalupe. Juan Correa: su vida y su obra (t. II: catálogo, 2ª parte). México: 1985. p. 365, 367. Por último, destacar las aplicaciones en dorado del manto de la Virgen que dota a la obra de una riqueza evidente.

Óleo sobre lienzo. 106 x 82,5 cm.
Firmado: "B.....ft Mx".

Óleo sobre cobre. 53 x 38,5 cm.
 
PROCEDENCIA:
Colección particular de Málaga.
 
El culto a San José constituyó un lugar privilegiado en la sociedad novohispana ya desde el siglo XVI, momento en el que es declarado en el Primer Concilio Provincial Mexicano patrón y abogado de Nueva España, por la “gran devoción” que los indios y españoles le profesaban. El reconocimiento impulsado por los franciscanos como intercesor en la evangelización de los naturales dio lugar en el siglo XVII a un discurso que lo situaba como paradigma político del buen gobernante.
En la representación de este cobre aparece San José como patrono de Nueva España. Cubre con su manto a los dos poderes: la iglesia presidida por el Papa Pío IV y el poder político por el Rey Carlos III. En la parte inferior de la obra se observan tanto la mitra papal, como la corona real que se encuentran a los pies de San José, en señal de respeto ante su devoción. Destacamos la forma atípica con que el pintor resuelve la túnica de San José ricamente decorada con estofado, probablemente inspirándose en la imagen de una escultura.
Se conocen otras dos versiones del pintor José de Alcibar, una conservada en una colección particular (Ver: Gutiérrez, Ramón. “Pintura, escultura y artes útiles en Iberoamérica, 1500- 1825. Cátedra, 1995, pág. 135, lám. 116) y otra en de mayor tamaño y pintada sobre lienzo en el Instituto Nacional de Antropología e Historia Museo de Guadalupe.

Óleo sobre cobre. 63,5 x 48 cm.
 
La Virgen de Guadalupe se apareció a un indígena, Juan Diego, en la colina de Tepeyac, cerca de la Ciudad de México en 1531. Hablando en su lengua nativa, el náhuatl, le pidió que fuera al obispo y le transmitiera su deseo de que construyera un templo en su honor cerca de la Ciudad de México. Ante la incredulidad del obispo la Virgen se apareció a Juan Diego en tres ocasiones. En la última, la Virgen le ordenó que recogiera las flores que crecían en la colina con su capa y las presentara como prueba. Al abrir el manto ante el obispo, se asombraron al ver la imagen de la Virgen de Guadalupe milagrosamente impresa en su manto.
La Virgen de Guadalupe de Tepeyac se ha convertido en una de las imágenes sagradas de la América Española, como símbolo de la identidad mexicana desde el siglo XVI. La imagen que presentamos conmemora el día del 24 de abril de 1754, en el que el Papa Benedicto XIV (1740-58) proclama oficialmente el patrocinio de la Virgen de Guadalupe en México. Dicha proclamación legitimó aún más la santidad de la imagen en dicha nación.
Sobre el centro se alza la figura de la Virgen rodeada de una abigarrada composición enmarcada por acantos. En la parte superior, seis figuras del Antiguo Testamento junto con dos querubines que le ofrecen una corona. Subrayando el nuevo estatus oficial revelado en 1754 se representa, abajo a la izquierda, el Papa Benedicto XIV quien emite su proclamación y señala a la imagen de la Virgen con su mirada dirigida al espectador. A la derecha la personificación femenina de Nueva España, acompañada del escudo de la región que mira a la Virgen con devoción. Enmarcan la escena los distintos momentos y más claves de su aparición a Juan Diego, dando testimonio de su naturaleza milagrosa.
Se conocen otras composiciones similares de la mano de Sebastián Salcedo conservada en el Museo de Denver, un grabado de Joseph Sebastian Klauber (1700- 1768) y Johann Baptist Klauber (1712-1787) así como diversas versiones de la mano de Juan Patricio Morlete con las que podemos establecer ciertas similitudes con la obra que presentamos.
A pesar de la evidente suciedad del cobre, estamos convencidos que con una sencilla limpieza se devolverá a la obra todo su esplendor, esos tonos ahora desvaídos recuperarán su sentido colorista y vibrante.

Óleo sobre cobre. 13,3 x 11 cm.
Firmado: "Fernz ft".
En el reverso un papel inscrito a tinta: "Don Juan Manuel de la Rocha y Hernández Narango que murió en Canarias sin sucesión era hermano de mi padre".

Óleo sobre lienzo. 65 x 54 cm.
Firmado y fechado: "Barrois, 14 de Junio de 1824".
 
Pintor activo en París; ciudad en la que nació y murió en Meaux. Fue alumno de Fontallard y Hersent en la Escuela de Bellas Artes. Destacó como pintor de retratos y miniaturas. Expuso en el Salón entre 1806 y 1841.
 

Dos óleos sobre lienzo. 51 x 64 cm, cada uno.
Titulado en el reverso con carácteres chinos tradicioneales y carácteres cantonés con traducción: "Big fruit village" y "Fortune and health garden".
Uno firmado: Lamqua.
 
 
LAM QUA (1801- 1860)
 
Fue un pintor cantonés de la dinastía Qing. Colaboró con George Chinnery primer pintor inglés en China, que influyó especialmente en su pintura. Se especializó en el género del retrato muy en el gusto occidental, aunque también se conocen diversos paisajes. Estableció su taller en New China Street entre las Tres Fábricas en Cantón. Fue el primer pintor oriental que expuso su obra en occidente. De 1836- 1855, Peter Parker, un misionero médico estadounidense y fundador del Hospital Oftalmológico de Cantón, encargó a Lam Qua que pintara más de 100 retratos preoperatorios de pacientes con tumores grandes u otras deformidades importantes.
Algunas de sus obras se conservan en la colección Peter Parker en la Biblioteca Médica Harvey Cushing/John Hay Whitney; otros están en el Gordon Museum, Guy's Hospital, Londres.
Una obra de similar composición y características se subastó en Chrisite´s en noviembre del 2009.
 
 

Miniatura sobre marfil. 6,3 x 5,2 cm.

Óleo sobre lienzo. 51 x 63 cm.
Titulado en el reverso con carácteres chinos tradicioneales y carácteres cantonés con traducción: "Fortune and health garden".
Firmado: Lamqua.
 
LAM QUA (1801- 1860)
Fue un pintor cantonés de la dinastía Qing. Coolaboró con George Chinnery primer pintor inglés en China, que influyó especialmente en su pintura. Se especializó en el género del retrato muy en el gusto occidental, aunque también se conocen diversos paisajes. Estableció su taller en New China Street entre las Tres Fábricas en Cantón. Fue el primer pintor oriental que expuso su obra en occidente. De 1836- 1855, Peter Parker, un misionero médico estadounidense y fundador del Hospital Oftalmológico de Cantón, encargó a Lam Qua que pintara más de 100 retratos preoperatorios de pacientes con tumores grandes u otras deformidades importantes.
Algunas de sus obras se conservan en la colección Peter Parker en la Biblioteca Médica Harvey Cushing/John Hay Whitney; otros están en el Gordon Museum, Guy's Hospital, Londres.

 Óleo sobre lienzo. 42 x 30 cm.

 Óleo sobre lienzo. 42 x 30 cm.

Óleo sobre lienzo. 73,5 x 149 cm.

Pastel y grafito sobre papel. 56 x 43 cm.

Pastel y grafito sobre papel. 52,5 x 43,5 cm.
Firmado y fechado: “Perinor, 1836”.

Óleo sobre tabla. 26 x 32 cm.
Firmado: "Murillo Bracho".

Óleo sobre lienzo
46,5 x 35,5 cm 

Óleo sobre lienzo. 67 x 56 cm.

Tomo I (pág. 1- 99 y litográfias) y Tomo II (pág. 1-91 y litografías).
El tomo II incluye el tomo III (páginas 3- 40 y litografías).
1842, 1844 y 1850.
 
Restos de humedad y faltas en la encuadernación del tomo II .
 
Primera edición de la conocida obra editada por la editorial Alberto Hauser, París.
 
Con el aire romántico habitual en las obras europeas similares, Pérez Villaamil presenta la riqueza monumental de España aportando a los paisajes urbanos los toques costumbristas de la amplia variedad de tipos españoles del siglo XIX. Trabajaron en al estampación veintitrés litógrafos franceses y un español; a pesar de esa variedad de manos y las licencias interpretativas respecto a los originales, el conjunto resultó plenamente uniforme gracias a la buena dirección de Pérez Villaamil. Ref.: Palau: 222728.
 

Óleo sobre hojalata. 36,5 x 51 cm.
En el reverso con etiqueta de colección: "F. Boix".
 
PROCEDENCIA
Colección Felix Boix y Merino.

Óleo sobre lienzo. 47 x 35,5 cm.
Firmado, fechado e inscrito: "E. Lucas, 1856, en Madrid".

Estos 38 trabajos con plumas de gallina de gran colorido están repartidos en trece páginas.
El arte plumario desempeñaba un papel notable en la sociedad como símbolo de riqueza y belleza en la cultura hispana. Los artesanos dedicados a esta técnica artísticas se llamaban amantecas, realizaban todas aquellas piezas con decoración a base de plumas, tradición que no paró aún con la llegada de los conquistadores españoles que se deslumbraron por el colorido de las aves que se encontraron. Fue tanta la admiración por los comnquistadores que no dudaron en enviar piezas elaboradas con esta técnica como símbolo de riqueza y distención a las casas reales europeas. Nuestro albúm es un ejemplo de querer mostrar una cultura a través de una de las técnicas más elaboradas, muy descriptiva en los detalles, con un amplio abanico de colores que hacen que esta pieza tenga, además de un interés artístico, un interés etnográfico.
 
32,5 x 22 cm (2)
16 x 10 cm (21)
10 x 16 cm (15)

Óleo sobre tabla
9,1 x 22,6 cm
Firmado áng. inf. izdo: J. Martinez Abades

Óleo sobre tabla
31, 5 x 18 cm
Firmado con iniciales áng. inf. izdo: MA

 Óleo sobre tabla
15,5 x 10 cm.
Firmado áng. inf. dcho: E. Gómez Martín
 
 

Óleo sobre tabla
15,5 x 10 cm.
Firmado áng. inf. dcho: E. Gómez Martín