Lotes

Óleo sobre tabla. 94,5 x 72 cm. El especialista Max Jakob Friedländer publicó en su Early Netherlandish Painting (Leiden 1972, vol. VIII) diversas versiones de esta obra, realizadas a partir de un original perdido pintado hacia 1520, entre las que destacan quizá las conservadas en el Museo de Staatliche Kunstsammlungen y la del Museo de Maurishuis. Sobre un fondo de paisaje con una representación de la Huida a Egipto, se disponen en un reducido espacio la Virgen y el Niño, que juega con el tocado de su Madre. Destaca en esta versión no sólo la calidad de las carnaciones y los detalles del brocado del manto de la Virgen, sino especialmente los cabellos, realizados con verdadera meticulosidad.

Dos óleos sobre lienzo. 22 x 26,7 cm. Firmados: “M. D.”

Óleo sobre tabla. 72,5 x 48 cm. Apenas hay datos de la vida de Daniels; discípulo de Pieter Brueghel el Joven, aparece inscrito en el gremio de San Lucas en 1599 como aprendiz y en 1602 ya como maestro. Conocido sobre todo por sus composiciones florales, colaboró con reconocidos pintores ocupándose él de las flores, a modo de orla, habitualmente. Por ejemplo, el Ermitage posee una tabla en la que colabora con Jacob Jordaens (inv. ГЭ-2041), y el Museo de Bellas Artes de Bilbao otra, con Frans Francken el Joven en este caso (inv. 08/220). Según publica el Museo del Bellas Artes de Bilbao (Ver Fred G. Meijer, Florero con tulipanes, por Andries Daniels y Frans Francken II, Boletín 8, 2009), el “hasta hoy único cuadro conocido y firmado por Andries Daniels es una guirnalda de flores alrededor de un medallón sobre el que está representada la Sagrada Familia y unos ángeles, aparecido a mediados del siglo XX” [y acutalmente en paradero desconocido]. Siendo frecuente la colaboración de Daniels con Francken, y dadas las características formales de las figuras, no sería extraño pensar en un trabajo conjunto en las dos tablas que presentamos.

Dos óleos sobre tabla. 24 x 28 cm, cada uno.

Óleo sobre tabla. 63,5 x 49 cm. Ver lote 491.

Óleo sobre cobre. 54,7 x 72 cm.

Óleo sobre cobre. 74 x 98 cm.

Óleo sobre cobre. 56 x 73 cm. Para otros dos cuadros de este pintor, véase: Díaz Padrón, M.: Museo del Prado. Catálogo de la Escuela Flamenca del siglo XVII, p. 308, nº 1900 y 1901

Óleo sobre tabla. 25,5 x 20 cm. Copia de obra A man encouraging a girl to smoke and drink de Judith Leyster conservada en una colección particular.

Óleo sobre tabla. 58 x 84 cm. Firmado: “K. Molenaer”. Con marco de madera ebonizada y placas de carey, probablemente del siglo XIX. La producción de Nicolas Molenaer suele ofrecer, más que descripciones topográficas exactas, una especie de caprichos idealizados de las afueras de su Haarlem natal, donde las posturas de las numerosas figuras tanto de personas como de animales y árboles se repiten con cierta frecuencia y son, de alguna manera, una firma de su mano. En la parte derecha de la composición, una elegante pareja destaca por encima del resto; los dos escudos de armas que parecen pintados en los dos barriles de la parte inferior quizá sean los de ellos, una familia aristocrática que habría encargado directamente la obra al propio Molenaer.

Óleo sobre lienzo. 75 x 92 cm. Gerrit o Gerard van Honthorst (1590-1656), tras estudiar con Abraham Bloemaert en Utrecht, su ciudad natal, se trasladó a Roma hacia 1610-1612, donde asimiló con rapidez y calidad inusitada la nueva estética del caravaggismo y fue contratado, a pesar de su juventud, por importantes mecenas como el cardenal Scipione Borghese y el gran duque de Toscana. A su regreso en 1620 a Utrech, introdujo con gran éxito -junto a Hendrik Ter Brugghen (1588-1629) y Dirck van Baburen (c. 1594-1624)-, las novedades estilísticas aprendidas en Italia, trabajando sucesivamente para Carlos I de Inglaterra (1628), Christian IV de Dinamarca (1635) o el príncipe de Orange (1637). Con el tiempo, su estilo pictórico derivó hacia terrenos más decorativos y amables, manteniendo el dibujo y las calidades de las telas, pero abandonando su dramatismo lumínico típico. Cercano a estos planteamientos ya más tardíos debe ser el lienzo que presentamos.

Óleo sobre lienzo. 198 x 258 cm. En la hoja del cuchillo de la parte inferior izquierda, parece leerse una M. Inscrito al dorso nº 565; con etiqueta muy deteriorada al dorso “Colección Ruiz, nº 63” y otra con numeración: “565”. Pintor de bodegones y escenas de género, sus primeros trabajos datan de 1576; en 1581 aparece documentado trabajando en las decoraciones para Margarita de Austria, y en 1594 pintando sus típicos bodegones para el Archiduque Ernesto y para el Conde de Berlaymont, gobernador de Namur. Su peculiar estilo se distingue por la monumentalidad de las figuras, algunas de las cuales repite con cierta frecuencia, equilibrada disposición de los elementos aunque sin excesiva acumulación, en contraposición con otros maestros como Joachim Beuckelaer, y unos fondos arquitectónicos desvaídos, como aclarados.

Óleo sobre lienzo. 120 x 168 cm. Con etiquetas de la Junta de Incautación, colección Adanero, nº inv. 7024, y del Colegio Oficial de Arquitectos. Procedencia: Colección Conde de Adanero Por herencia a los actuales propietarios Joos de Momper (Amberes, 1564-1635) se formó con su padre Bartolomeus y en 1594, antes de su breve viaje a Italia donde debió conocer la obra de Ludovico Pozzoserrato, aparece ya trabajando con Cornelis Floris. Para Pérez Preciado, si en sus primeras pinturas pinta abruptas y geométricas montañas, “en estrecha relación con [los trabajos de] Tobias Verhaecht y conceptualmente paralelas a los paisajes montañosos de Pieter Bruegel el Viejo, en las que el aspecto amenazador de la naturaleza queda patente a través de los efectos de luz y el dramatismo general de la escena”, evolucionará hacia “una representación más realista y un interés por la topografía, con un estilo ligero y suelto”, donde los “paisajes montañosos crecen en tamaño y la pincelada se vuelve más suelta, pero continúa con los mismos motivos” (Pérez Preciado, J. J., E.M.N.P, 2006, tomo V, pp. 1569-1570). El lienzo que presentamos sigue muy de cerca la línea del maestro de Amberes: paisaje de carácter simplificado construido con los tres colores típicos de su paleta, marrón, verde y azul, y figuras serpenteando por los caminos, descansando o conversando mientras la luz del atardecer da profundidad a la escena y muestra una amplia gama de tonos matizados.

Pareja de verre eglomisé. 24,5 x 33 cm.

Pareja de verre eglomisé. 24,5 x 33 cm.

Óleo sobre lienzo. 103 x 80,5 cm.

Óleo sobre lienzo. 66,5 x 47 cm. Con número de inventario en la parte inferior: 14

Óleo sobre lienzo. 66 x 83,5 cm. Inscrito al dorso, iniciales “J. M.”

Óleo sobre lienzo pegado a tabla. 45 x 31 cm.

Óleo sobre lienzo. 85,5 x 64 cm. Firmado: “Pedro García Paluzo f”.

Óleo sobre lienzo. 46,8 x 37 cm. Con marco de rocallas en madera tallada y dorada del siglo XVIII.

Óleo sobre cobre. 20 x 15,5 cm.

Óleo sobre cobre. 23,7 x 18,4 cm.

Óleo sobre tabla. 21 x 16 cm.

Óleo sobre lienzo. 137 x 104 cm. Con firma: P. Uranga

Óleo sobre lienzo. 60,9 x 41,5 cm.

Óleo sobre lienzo. 156,5 x 110 cm.

Óleo sobre lienzo. 27 x 21,5 cm. En el reverso, resto de etiqueta de la Junta de Incautación y sello de la colección de Sebastián Gabriel de Borbón. En la testamentaría del Infante, aparece registrado con el número 1438 como de Andrea Sacchi; como tal, figuró también en la exposición celebrada en Pau (Francia) en 1876, con el número 329.

Óleo sobre lienzo. 107,5 x 149 cm.

Óleo sobre lienzo. 83 x 56 cm. En un óvalo fingido, firmado y fechado: “Alonso del Arco f. 1689” Bibliografía: Galindo, Natividad, “Alonso del Arco”, Archivo español de arte, 45/180, 1972, pp. 347-385 Ya en 1972 la especialista Natividad Galindo, en su artículo sobre Alonso del Arco, señaló la deuda del conocido cuadro de San José de la catedral de Toledo con el San José del Palacio Real de Madrid, fechado en 1654, de su maestro Antonio de Pereda (Archivo español de arte, nº 180, 1972, p. 374). En ese mismo artículo, publicaba otro San José con el Niño, el que se ofrece ahora, firmado y en colección particular madrileña, con “la única variante respecto al de Toledo que aquí el Niño está despierto”.

Óleo sobre lienzo. 103,5 x 77 cm. Inscrito en el bastidor: “Ribalta fecit”. Con etiqueta de la Junta Delegada de Incautación, colección Adanero, nº inv. 7129. Procedencia: Colección del Conde de Adanero Por herencia a los actuales propietarios Debe tratarse probablemente de una magnífica copia, con ligerísimas variantes, del cuadro de Anton Van Dyck del Museo Metropolitano de Nueva York (nº 71.41), más que de la otra versión conocida que posee la Alte Pinakothek (nº 7449). En la réplica del MET, según Matías Díaz-Padrón, “fechada en el mismo año y de mejor calidad, se reconocen influencias de La Virgen del Rosario, de Rubens, en la Chiesa Nueva de Roma y, según Larsen, perteneció a Vincenzo Ruffo en Messina (1646-1649), a José Bonaparte y al Museo Real de Madrid (1988, I. p. 181)” (El siglo de Rubens en el Museo del Prado: catálogo razonado, Prensa Ibérica, Barcelona, 1995, pág. 508). Parece lógico pensar que alguno de los reconocidos pintores que estaban en la Corte durante el segundo tercio del siglo XVII, conocido el entusiasmo de alguno de ellos por el colorido vandyckiano, hiciese esta copia fiel.

Óleo sobre lienzo. 120 x 100 cm. El reconocido profesor Alfonso E. Pérez Sánchez escribió que aunque “el prestigio y la novedad de Collantes en la historia de nuestra pintura se deba, sin duda alguna, a sus paisajes y a sus cuadros de figuras pequeñas” (Pintura madrileña del segundo tercio del siglo XVII, CSIC, 1983, pág. 39), apostilló en su reconocido manual posterior, Pintura barroca en España, 1600-1750, que “es preciso recordar que cultivó también la pintura religiosa con figuras grandes y fervorosa devoción a los modelos tenebristas napolitano-riberescos” (Cátedra, 1992, pág. 253). Entre esas composiciones, citó varios ejemplares cercanos al San Pedro arrepentido que ofrecemos: San Pedro, de la colección Reder de Londres, que sigue casi al pie de la letra el modelo de Ribera, y los San Jerónimo, de los museos de Copenhague y Estocolmo. Muy cercana a esos trabajos, la obra que atribuimos a su mano ofrece interesantes variantes que buscan subrayar la fuerza del momento elegido: marcado claroscuro, pesado y volumétrico juego de paños, potente luz al fondo y, sobre todo, toques con esa misma claridad, cargados de materia pictórica, en pelo y barba. Aunque una limpieza superficial devolverá gran parte del colorido original, la suciedad acumulada no impide ver la alta calidad que presenta. A comparar con el Arrepentimiento de San Pedro (O/L, 142,6 x 101,4 cm), de la colección Forum Filatélico, ofrecido en Sotheby’s Londres en abril de 2015.

Óleo sobre lienzo. 136 x 96,5 cm. La escena recoge el momento de la penitencia de san Francisco en el monte Alverna instantes antes de la estigmatización. El rostro del santo, contemplativo y con la mirada alta, no fue sin embargo la primera idea de Herrera; la radiografía muestra un notable arrepentimiento, mostrándole de perfil, meditando mientras observaba fijamente la cruz.

Óleo sobre lienzo. 62 x 62 cm. Firmado: “Juan de Arellano”. Obra inédita de Juan de Arellano, pintada probablemente en la década de 1650-1660, para ser colocada probablemente encima de una puerta. Destaca el magnífico jarrón de bronce con el cuerpo azul simulando lapislázuli. Inspirado en uno de los Vasos antiguos grabados por Cherubino Alberti en 1582 a partir de modelos pintados por Polidoro de Caravaggio, en las asas de inspiración manierista aparece una serpiente enroscada y un angelote enlazado. El jarrón se alza sobre una peana pétrea en rocalla, decoración quizá inspirada en las cartelas de los retablos madrileños de Pedro de la Torre o de Alonso Cano. Se puede comparar con el Búcaro con flores y saltamontes y Búcaro con flores, caracol y mariposa conservados en el Principado de Asturias de Oviedo, y con el Florero con insectos conservado en la Colección Masaveu. Ver: Alfonso E. Pérez Sánchez, Juan de Arellano 1614-1676, Caja Madrid, pág. 146, láms. 12,13 y 14.

Óleo sobre lienzo. 66 x 86,5 cm.
 
PROCEDENCIA:
 
Bernardino de Melgar y Álvarez de Abreu (1863-1942), marqués de Benavite.
Por descendencia hasta sus actuales propietarios
 
BIBLIOGRAFÍA:
 
Cherry, Peter. Arte y naturaleza. El bodegón español en el siglo de oro. Madrid, Fundación de Apoyo a la Historia del Arte Hispánico, 1999, pp. 49, 51 y 58, fig. 26, 27, 29 y 30.
 
BIBLIOGRAFÍA DE REFERENCIA:
 
Jordan, William B., Spanish Still Life in the Golden Age, 1600-1650, Catálogo de exposición Forth Worth: Kimbell Art Museum, 1985, pp. 1-27.
Jordan, William B. y Cherry, Peter, El bodegón español. De Velázquez a Goya. Catálogo de exposición, Londres - Madrid, National Gallery of Art (ed. española en Ediciones el Viso), 1995, pp. 13-26.
Dada la inscripción del mes de Octubre, debemos pensar que el lienzo debió pertenecer a una serie más amplia que presentaba alimentos propios de cada mes del año. Este tipo de series, junto con las de las estaciones del año, y la disposición tan sobria, simétrica y equilibrada de los distintos elementos presentados, suelen remitir a las dos primeras décadas del siglo XVII. El que ahora se ofrece, con fuertes contrastes y un atractivo colorido, fue dado a conocer por Peter Cherry en 1999, junto con otros tres más de Noviembre, Diciembre y Junio -en paradero desconocido-, presumiblemente de la misma serie, dadas las inscripciones.

Óleo sobre lienzo. 217 x 166 cm. Desde el punto de vista iconográfico, la composición que presentamos ofrece interesantes matices a la típica escena de la Sagrada Familia en el taller de san José. Si el mundo hispano suele optar por el Niño Jesús jugando con los objetos que estarán presentes en la pasión y que conseguirán la obra de la redención del género humano, el mundo italiano se muestra más sutil, presentando esta vez al Niño con la Cruz en una mano y con una manzana en la otra. Cristo es así el nuevo Adán, referencia evidente al pecado original y la Virgen, que le mira y sigue sus pasos, como nueva Eva; y la labor que aparece a sus pies en una cesta, gracias a esa redención, se convertirá en las flores que presenta arriba uno de los ángeles. Desde el punto de vista formal, hay varios elementos especialmente atractivos. El más llamativo, quizá sea el colorido en dos personajes: la Virgen, jugando con los tonos de gran pureza de rojo intenso, azul lapislázuli y blanco impoluto, y el ángel que porta el bello bodegón de ciruelas y manzanas, con sutiles matices tardomanieristas entre violetas y amarillos tornasolados y la capa, de un casi siena. Al ser esta composición probablemente una pala de altar, parece lógico que la fuerza de estos colores haga permanecer la mirada del espectador en la parte inferior, la terrenal; la celestial, en cambio, se abre más clara al fondo y en la parte superior, detrás de la cabeza de san José, con un orden gigante y una arquitectura arquitrabada, y que consigue dar la profundidad necesaria. A pesar del aparente guiño del claroscuro de Caravaggio, la presencia del clasicista mundo boloñés, especialmente Agostino Carracci aunque también Guido Reni, parece estar más presente. La solidez de las figuras y los estudiados gestos, la amplitud del espacio, el atractivo y delicado colorido, la pesadez de los pliegues y las magníficas naturalezas muertas, sutiles, apuntan a una mano sabia que conoce a la perfección su oficio.

Óleo sobre cobre. 19,3 x 14,2 cm. Sin marco.

Óleo sobre cobre. 18 x 14 cm. Sin marco.

Óleo sobre lienzo. 42,5 x 16 cm. Inscrito al dorso: “1800 rs v de Maeya”

Óleo sobre cobre. 22 x 16,5 cm.

Óleo sobre lienzo. 172 x 122,5 cm.

Pareja de óleos sobre cobre. 14,4 x 10 cm. c/u

Óleo sobre lienzo. 190 x 118 cm. Firmado y fechado: “Francus Xav. Mergolus P. An. Dni. 1777” Con marco en madera tallada y dorada del siglo XVIII. Apenas hay referencias documentales del pintor de origen italiano Mergolo y menos aún se conservan obras seguras de su mano, salvó una Resurrección de Cristo en la iglesia parroquial de Ionadi y otra en la iglesia de la Assunta allo Spinello di Serra San Bruno, en Vibo Valentia (Italia). En ese sentido, no deja de ser sorprendente la pequeña colección de trece dibujos de su mano que conserva la Cooper Hewitt Collection de Nueva York. La obra que se ofrece, dada la composición, el tamaño y la firma con su año de ejecución, es un magnífico ejemplar que ayudará notablemente a definir mejor su estilo, y que guarda relación -no directa- con alguno de los dibujos mencionados. Interesante sería, sin duda, poder conocer más en profundidad la relación de Mergolo con el mecenas de clara ascendencia española que le encargó esta especie de Asunción de la Inmaculada al seno de Dios Padre, dada la presencia del apóstol Santiago, patrono de España, y el escudo simplificado del rey Carlos III en esas fechas, con Castilla, las flores de lis y la orden de Carlos III.

Óleo sobre lienzo. 52,6 x 41,5 cm. Con larga inscripción al dorso de antiguo propietario, fechada en 1788.

Óleo sobre lienzo. 207 x 141 cm. Con cartela explicativa: “La Excelentísima Señora Doña Mariana Pontejos, Arizcum y Sandobal & Marquesa de Casa Pontejos, Condesa de la Ventosa, Dama de la Real Orden de la Cruz Estrellada, de la Emperatriz de Alemania María Eleonora, estuvo casa con el Excelentísimo Señor D. Francisco Moñino, Gobernador del Supremo Consejo de las Indias & Nació el año de 1760. Murió en”.

Óleo sobre lienzo. 204 x 139 cm. Con cartela explicativa: “El Excelentísimo Señor Don Francisco Moñino, Caballero de la Gran Cruz de la Real y distinguida Orden de Carlos III. Fue Intendente de Soria, Consejero del Supremo de las Indias, Ministro Plenipotenciario en la Corte de Florencia. Embajador en las de Venecia y Lisboa, y Gobernador del Supremo Consejo de las Indias, en los Reinados de los Señores Don Carlos III y Carlos IV. Nació en Murcia el 9 de junio de 1748 y murió en 1797. Su cadáver está depositado en la Colegiata de Alcalá de Henares. Estuvo casado con la Prima Sra. Doña Mariana de Pontejos, Marquesa de Casa Pontejos, Condesa de la Ventosa, Dama de la Cruz Estrellada de la Emperatriz de Alemania, María Eleonora”. Francisco Moñino, hermano menor de José Moñino, I Conde de Floridablanca y ministro de Estado en los reinados de Carlos III y Carlos IV, tuvo una brillante y meteórica carrera política hasta que el Conde fue destituido en 1972. En la colección del Banco de España se conservan dos retratos de medio cuerpo pintados por Francisco Folch de Cardona (Valencia, 1744 - Madrid, 1808), del Conde de Floridablanca uno y de su hermano Francisco el otro (Ver El Banco de España: Dos siglos de Historia, 1782-1982, Madrid, 1982).

Pastel y grafito sobre papel. 56 x 43 cm.

Pastel y grafito sobre papel. 52,5 x 43,5 cm.
Firmado y fechado: “Perinor, 1836”.